МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ

РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ

_______________________________

Национальный исследовательский университет

Московский энергетический институт

Кафедра истории и культурологии

Демидионова Л.Н.

Эпоха Возрождения – эпоха духовного прорыва средневековой Европы

Научно-образовательный материал

МОСКВА НИУ МЭИ 2011

Подготовлено на кафедре истории и культурологи МЭИ (ТУ)

Демидионова Л.Н. Эпоха Возрождения – эпоха духовного прорыва средневековой Европы

Научно-образовательный материал

Аннотация. В научно-образовательном материале в сжатой форме дается характеристика эпохи Возрождения – периода в истории Западной Европы XIV – XVI вв., основным содержанием которого было появление интеллектуальных и художественных новаций, сформировавших новую научную картину мира, кардинально отличавшуюся от тотальной религиозности Средневековья. НОМ представляет собой теоретическую разработку одной из ведущих тем курса «История мировых цивилизаций».

НОМ имеет методическое сопровождение: итоговые контрольные вопросы, тематику творческих заданий, список литературы.

Данный научно-образовательный материал может быть использован в системе повышения квалификации, в системе дополнительного (факультативного) образования, в системе довузовской подготовки.

    Раздел 1. Понятие, периодизация и основные черты эпохи Возрождения

Возрождение – это период в культурном и идейном развитии стран Западной и Центральной Европы (в Италии с XIV в. по первую половину XVI в., в других странах – с конца XV – до начала XVII вв.). В истории европейской цивилизации этот период является переходным от Средневековья к Новому времени.

Термин «Возрождение» (франц. – ренессанс) впервые был введен в XVI в. архитектором и историком искусства Джорджо Вазари для определения новой культурной эпохи, сменившей Средневековье. Именно мыслители Возрождения стали называть Средневековье «мрачными, темными» веками, противопоставляя этому периоду расцвет новой культуры.

В искусствоведческой литературе эпоху Возрождения подразделяют на периоды по столетиям. Эта традиция восходит к трудам Д.Вазари, прежде всего, его знаменитой книге «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550 г.). Д. Вазари установил традицию называть столетия по-итальянски: трехсотые годы, то есть XIV век, четырехсотые годы, то есть XV век и т.д. Одновременно он выделил «Предвозрождение» XIII в. – время, которое подготовило ренессансный взлет.

Периодизация эпохи итальянского Возрождения:

• ХШ век – Дученто (ducento, «двухсотые», то есть 1200-е гг.) – Проторенессанс (предвозрождение);
• XIV век – Треченто (trecente, 1300-е гг.) – Раннее Возрождение;
• XV век – Кватроченто (quatrocento, 1400-е гг.) – Высокое Возрождение;
•  XVI век – Чинквеченто (cinquiccento) – позднее Возрождение.

Но не надо забывать, что всякая периодизация условна: не всегда творчество и судьба большого художника укладывается в рамки одного конкретного периода.

Культура Возрождения зародилась в городах Северной Италии – Венеции, Флоренции, Пизе, Сиене. В эпоху расцвета Средневековья – XIII – XIV вв. – здесь бурно развивались торговля, ремесла (особенно производство тканей), банковско-ростовщическая деятельность. Именно в этих городах раньше всего появилась буржуазия – горожане, которых называли третьим сословием. Она богатела, верила в себя, смотрела на мир другими глазами. Самостоятельное развитие свободных городов-республик создало благоприятные условия для освобождения человека от сковывающих рамок средневековых традиций, норм и идеалов.

Культура Возрождения – это культура свободных городов. Борьба партий, классов, возможность выбора политической и гражданской позиции – все это формировало человека Ренессанса. Быть гражданином свободного города, участвовать в его управлении и украшении отвечало честолюбию горожанина. Промышленная, торговая, ростовщическая буржуазия итальянских городов нуждалась для своей хозяйственной деятельности в развитии точных наук. Вместе с тем, наживая огромные состояния, она стремилась создать для себя комфортные условия жизни и украсить свои дворцы произведениями искусства. Буржуазия и правители итальянских городов нуждались также в нотариусах, врачах, учителях, и вообще – в людях умственного труда, которые могли бы вести торговые и кредитные дела внутри страны и за границей.

Так, вместе с формирующейся буржуазией появлялась интеллигенция (литераторы, философы, историки, архитекторы, художники, инженеры), оказавшая решающее влияние на формирование новой идеологии.
  Огромная роль в формировании ренессансной культуры принадлежала церкви, ставшей богатейшим меценатом. Выдающиеся памятники архитектуры, живописи, скульптуры были созданы по ее заказу. Среди этого ценнейшего достояния прошлого собор Санта Мария дель Фьоре во Флоренции, собор Св. Петра в Риме, «Сикстинская мадонна» Рафаэля, «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи, «Св. Георгий» Донателло, «Пьета» Микеланджело.

Глава католической церкви папа Римский покровительствовал мыслителям, поэтам, художникам, скульпторам, раздавал им почетные должности при папском дворе. Феодальные монархи и высшие аристократы тоже содействовали развитию искусства. Так, во Флоренции, крупнейшими меценатами были банкиры семьи Медичи. Щедрыми покровителями искусства и науки в других итальянских центрах выступали династии Монтефельтро в Урбино, Сфорцо и Висконти в Милане, Гонзага в Мантуе, д`Эсте в Ферраре.

Возрождение называют эпохой культурного переворота, подчеркивая в первую очередь, происходящие перемены в общественном сознании. Выдвинув идеал разносторонней и гармонично развитой личности, новая эпоха «открыла человека», освободив его от средневекового теологического мышления и аскетизма. В итальянском Возрождении впервые появляется идея индивидуальности, единственности и оригинальности каждого человека.
  Этический и эстетический идеал Ренессанса – образ свободного, универсального, творческого человека, создающего самого себя.
 Еще одним открытием эпохи Возрождения был пристальный взгляд назад, вглубь веков, во времена Древней Греции и Древнего Рима. Но, несмотря на происхождение термина «Ренессанс», речь шла не о простом копировании античности. Ренессанс возвращал к жизни не все достижения античной культуры, а только те, которые были созвучны устремлениям новой эпохи.
      Отличительными чертами культуры Возрождения являются:

• гуманизм;
• антропоцентризм;
• светский характер культуры;
• обращение к культурному наследию античности;
• модификация средневековой христианской этики.

Возрождение – это величайший переворот в развитии мировой культуры. Суть этого переворота – в переходе от богоцентристского понимания мира к человекоцентристскому, от теоцентризма к антропоцентризму, а отсюда – к светскому характеру мировоззрения.

 Раздел 2. Гуманизм – мировоззренческая основа Ренессанса

 В эпоху Возрождения сформировалось новое мировоззрение, шедшее на смену средневековому образу мыслей – гуманизм.

Гуманистическое движение зародилось в Италии. В XIV веке во Флоренции, а чуть позже в Сиене, Пизе складываются кружки образованных людей, которых называли гуманистами. Но не в современном, нравственном значении этого слова, указывающем на человеколюбие и уважение к человеческому достоинству, а в более узком, образовательном смысле.

Сам термин «гуманизм» произошел от названия того круга наук, которыми занимались поэтически и художественно одаренные люди. Studia humanitatis – это те науки, которые ставили в центр своего внимания человека и все человеческое в противоположность studia divina – всему, изучающему божественное, то есть теологии. Это не значит, конечно, что гуманисты не знали теологии, напротив, они были знатоками Библии и религиозной литературы, а гуманисты более позднего времени, например, Эразм Роттердамский и Иоганн Рейхлин, были богословами. Но ранние флорентийские гуманисты – это чаще всего политические деятели, адвокаты, правоведы. Например, Данте был дипломатом и политическим деятелем, а Франческо Петрарка не только великим лирическим поэтом, но и автором политических трактатов.

Гуманисты Возрождения занимались различными видами деятельности: политикой, философией, этикой, изучением античных рукописей, педагогикой, историческими исследованиями. Основой их мировоззрения был антропоцентризм (греч. Anthropos – человек) – восприятие человека как центра Вселенной и конечной цели всего мироздания. Антропоцентризм эпохи Возрождения – это культ человеческой красоты, гимн человеку, несущему в себе божественное совершенство, и он нашел воплощение в живописи, скульптуре и поэзии.

В исторической литературе слова «гуманизм» и «Возрождение» часто употребляются вместе, и нередко воспринимаются как синонимы. Это не совсем верно. Гуманизм XIV – XVI вв. составляет лишь часть многогранной культуры Ренессанса. Гуманистическое движение заложило базу для широкого распространения новой, светской образованности в Европе, подарило западноевропейской цивилизации новый взгляд на мир, новые ценности. По сути, гуманизм – это идеология всего Возрождения.
Главным направлением деятельности гуманистов была филологическая наука. Гуманисты начали отыскивать, переписывать, изучать литературные памятники античности. Разумеется, в эпоху Средневековья античные мыслители тоже не были забыты: древние рукописи переписывались в монастырях, иначе они бы просто не дошли до времен Возрождения. Не умирало и античное прикладное искусство, унаследованное византийским художественным ремеслом. Важно другое – впервые за тысячу лет христианства к античным статуям отнеслись не как к языческим кумирам, а как к произведениям искусства.

Именно с гуманистов начинается включение античного наследия в систему образования, знакомство широких образованных кругов с античной литературой, изобразительным искусством, философией. Поэты и художники стремятся подражать древним авторам и пытаются возродить античные традиции. Но, как часто бывает в истории, особенно истории искусства, возрождение каких-то давних принципов и форм приводит к созданию совершенно нового.

Гуманисты возродили правильный литературный латинский язык, на котором они писали свои сочинения, произносили проповеди, поучения. С XV в. начинается изучение древнегреческого языка (в это время в Италию переселяется множество византийских ученых) и включение его в школьные программы. Европейцы получили возможность читать в подлиннике Гомера, Софокла, Феокрита. Но парадоксальность ситуации заключается в том, что именно гуманисты Возрождения, поборники чистоты латинского языка, любители древности, знатоки греко-римской мифологии, стали одновременно создателями литературы на национальных языках.
На пороге гуманистической культуры Возрождения стоит знаменитый флорентийский поэт и философ Данте Алигьери (1265 – 1321).
Самое известное его произведение – «Божественная комедия» - отразила мировоззрение переходного периода от средних веков к Возрождению. «Божественную комедию» называют поэтической энциклопедией Средневековья. Она рассказывает об Италии и Флоренции, Римских папах и императорах, монахах и святых, античных полководцах и мудрецах. Данте со своим спутником Вергилием проходит все «круги ада», потом попадает в чистилище, беседует там с душами умерших и, наконец, достигает рая. Поэт дает правдивое и глубокое изображение человеческих судеб, переживаний и стремлений. На протяжении всей жизни поэта тема любви была ведущей в его творчестве, и последняя строка «Божественной комедии» гласила: «Любовь, что движет солнце и светила».

Данте был создателем литературного итальянского языка и предшественником новой нарождающейся культуры. На его произведениях воспитывались целые поколения европейских писателей и поэтов. Многие этико-философские идеи Данте оказали прямое воздействие на гуманистическую мысль Италии более поздней эпохи. Он выступил решительным сторонником разграничения сфер разума и веры, философии и религии. В своей политической концепции он ратовал за отделение церковной власти от светской. Установление на земле царства добра и справедливости Данте связывал с идеей всемирной монархии, прообразом которой он считал Римскую империю. 

Но если Данте является фигурой, стоящей на границе Средневековья и Возрождения, то флорентийские поэты и писатели Петрарка и Боккаччо уже целиком принадлежат к эпохе Ренессанса.

Франческо Петрарка (1304-1374) был одной из самых противоречивых фигур того времени. Он искренне стремился примирить Христа с Цицероном, полагая, что светская образованность, знание античной поэзии и философии не могут противоречить принципам веры, так как она служит нравственному совершенствованию человека. Не порывая с принципами христианского мировоззрения, Петрарка ищет, однако, иные пути к познанию Истины, к постижению смысла человеческого бытия. Он убежден, что путь к небесному блаженству не требует отказа от всего мирского.

В 1333 г. Петрарка совершил большое путешествие по Европе с целью «открытия» древних авторов, изучал рукописи, знакомился с крупнейшими учеными. Он хотел написать поэму, которая могла бы сплотить нацию вокруг общей идеи. Таким эпическим произведением стала поэма «Африка», написанная на латинском языке и высоко оцененная современниками. Именно за нее в 1341г. Петрарка получил высшую поэтическую награду античности – лавровый венок.

Вскоре после смерти Петрарки его сочинения на латыни остались невостребованными и были забыты. Зато всеобщее признание получили произведения, которые сам Петрарка называл «пустячками на итальянском». Это «Канцоньере» – собрание стихотворений (сонетов), посвященных Лауре – возлюбленной Петрарки. Излагая историю любви мужчины к женщине, поэт разрушает все прежние каноны любовной лирики и показывает историю развития чувств, а не отношений. Любовь Петрарки к Лауре настолько сильна, что соперничает с любовью к Богу, и поэт просит у Всевышнего прощения за это. Описывая историю любви, поэт стремится изложить саму сущность человеческого бытия – на грани между землей и небом, в равновесии между плотью и душой. Петрарка первым попытался привести душу и тело к равновесию – средневековая традиция отдавала предпочтение духовному началу.

Многие идеи Петрарки нашли отражение в творчестве Джованни Боккаччо (1313- 1375). Его поэзия устремлена к жизни. Он положил начало ренессансной новеллистике. Все свои сочинения Боккаччо писал на итальянском языке, пользуясь оборотами народной речи. Самое значительное его произведение «Декамерон» объединяет сто новелл, рассказанных в течение десяти дней девушками и юношами из благородных семей, уединившихся в предместье Флоренции во время эпидемии чумы. В новеллах отражена реальная жизнь во всем богатстве ее проявлений. Его персонажи – это люди разных характеров, профессий, общественного положения, которые ценят радости земной жизни.

Основная тема «Декамерона», проходящая через все его новеллы – это тема любви. Если Петрарка погрузился во внутренний мир влюбленного, то Боккаччо хотел реабилитировать плотский аспект любви, который церковная культура признавала греховным, а культура знати – низменным. Он высказывает мысль о том, что душа под действием любви способна облагородиться. В земной любви, говорит Боккаччо, нет ничего греховного.
 «Декамерон» приобрел большую популярность в Италии, и уже в XIV в. был переведен на французский и английский языки, а его сюжеты часто заимствовали европейские писатели.

В том же XIV столетии Джеффри Чосер в Англии создает литературный английский язык, родившийся из смешения кельтского, латинского, германского наречия англов, саксов и ютов и французского языка норманнов. В конце XV – XVI вв. складывается литературный язык Франции (творчество поэтов Пьера Ронсара, Жоашена дю Белле), Германии (в этом заслуга Мартина Лютера), а так же общеиспанский язык на основе кастильского диалекта.

Итак, новая ренессансная культура сначала наиболее мощно выразилась в слове. В Италии возникла литература с новым мироощущением, отличающимся от средневекового представления о жизни. Благодаря усилиям первых гуманистов в европейскую культуру вернулось литературное наследие и художественный идеал Греции и Рима.
Особым интересом к социальным и политическим проблемам отличалось направление гражданского гуманизма. Представители этого направления - Колюччо Салютатти, Леонардо Бруни, Джустиниани, Пико делла Мирандолла и др. – по-новому осознали роль человека в жизни общества. В своих сочинениях они провозглашали идею свободы личности, равенства граждан перед законом, гарантом которого выступает республика. Только в хорошо устроенном государстве возможно нравственное совершенствование человека и общества, которое, по мнению гуманистов, может существовать в свободных городах-государствах. Идея создания такого государства разрабатывалась в политических трактатах и исторических сочинениях.
 Флорентийский историк, гуманист Леонардо Бруни возродил античную калокагатию, гармонию духа и тела. Он считал, что главное место в обучении должно занять эстетическое воспитание.

Блестящий знаток античности, философ Пико делла Мирандолла разработал учение о достоинстве человеческой личности, ставшее основой для политических, социальных и эстетических взглядов гуманистов Высокого Возрождения.

В начале XVI в. флорентийский политический деятель Никколо Макиавелли (1469-1527) написал трактат под названием «Государь», в котором изложил новую политико-философскую доктрину.
Взгляды Макиавелли сформировались под влиянием сложных политических событий, происходивших в Италии в конце XV – начале XVI вв. Размышляя о судьбе своей родины, Макиавелли пришел к выводу о необходимости сильной государственной власти. Он считал, что государь должен обладать такими качествами, как вероломство и жестокость, поскольку устрашение воздействует на умы сильнее, чем доброта.
Политическая философия Макиавелли – прагматизм, не скованный моральными рамками. Следует сказать, что «Государь» был задуман не как «трактат вообще», а как конкретные рекомендации для решения политических проблем разрозненной Италии, терзаемой иностранными завоевателями.

Гуманистическое мировоззрение никогда не представляло собой единую идеологию. Но какие бы проблемы ни обсуждались, в центре размышлений был человек, обладающий безграничными творческими возможностями для совершенствования самого себя и окружающего мира.

Утверждение величия и красоты человека – вот главная идея, связывающая идеологию гуманизма и все искусство Ренессанса.

Раздел 3.   Итальянское Возрождение – торжество земной жизни

Эпоха Возрождения ассоциируется, прежде всего, с искусством живописи, скульптуры, архитектуры. Это вполне справедливо, так как именно изобразительное искусство воплотило сущность ренессансного мироощущения, новое положение человека в мире.
      В эпоху Возрождения культурная жизнь Италии была особенно интенсивна. На небольшом пространственно - временном промежутке мы наблюдаем удивительную концентрацию людей великих, универсально одаренных, избравших новые пути творчества. Имена Донателло, Брунеллески, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело стали символами Возрождения.

Художник, подобно Творцу, создает свой мир. Залогом успешной творческой деятельности является научное познание законов природы.
 В технической стороне искусства того времени ощущается влияние науки: используется знание анатомии, геометрии, физики, химии и механики.
   Художники Возрождения базировались на принципах реалистического, научного видения мира. Используя законы оптики и математики, они построили учение о единой точке схода, отвечающей местоположению зрителя. Мастерское владение техникой и точный расчет перспективы помогал им создавать полотна, на которых предметы кажутся реальными и воспринимаются едва ли не на ощупь. Открытие линейной перспективы стало одним из самых ценных изобретений искусства Возрождения. Средневековое искусство создавало не подобия, а символы, оно стремилось воплотить не видимый, а сверхчувственный мир. Художники изображали не вещи, а их знаки, условные образы. При этом масштаб каждого отдельного изображения зависел от степени его важности. Например, фигура Богородицы могла быть вдвое выше окружающих ее людей. Художники Средневековья использовали метод обратной перспективы, то есть приемы построения ракурсов, в которых точка схода лежит не на линии горизонта, а «в глазу зрителя». Нереальному, неощутимому и не поддающемуся измерению пространству Средневековья Возрождение противопоставило четкое, реальное пространство. Размеры тел, яркость тона и отчетливость фигур уменьшаются по мере удаления тел на расстояние. Благодаря изобретению линейной (прямой) перспективы мир в пространстве картины стал восприниматься объемным. Линейная перспектива стала в руках итальянских живописцев могучим художественным средством. Она помогала включить в живопись пространство, пейзаж, архитектуру. Перспектива означала дальнейший шаг на пути сближения человека с окружающим миром, она делала мир соизмеримым с человеком, более близким ему.
 Помимо изобретения линейной перспективы Возрождение открывает новые темы в изобразительном искусстве, создает новые жанры. Предметом искусства стали не только религиозные, но и мифологические, и исторические сюжеты.

« Глаз обнимает красоту всего мира» – эти слова Леонардо да Винчи могут быть формулой нового зрительного подхода к миру. Такой подход позволял говорить о светском, мирском характере искусства. Религиозное чувство не исчезало, оно лишь принимало новые формы. Живописцы писали образы Богоматери с простых женщин, сохраняя черты портретного сходства. В шествии волхвов вместо евангельских паломников они показывали кортеж флорентийских всадников в роскошных одеждах.
  Скульпторы и художники Возрождения преодолели средневековое отвращение к человеческому телу, как первопричине греховности, открыв в обнаженной натуре неисчерпаемый источник вдохновения. Это было заимствовано из искусства античности. Но художники Ренессанса отошли от античного восприятия, они придавали телу более естественный и реалистический вид, математически точный и просчитанный.
В эпоху Возрождения возобновляются античные технологии, например, принцип «золотого деления», который Леонардо да Винчи назвал «золотым сечением». Появляются также новые приемы в живописи. Леонардо да Винчи изобрел принцип сфумато (итал. Sfumato – затуманенный, затушеванный, воздушная дымка) – прием в живописи, который смягчает очертания предметов и фигур и позволяет передать окутывающий их воздух. Предметы на полотнах да Винчи не имеют четких границ: все, как в жизни, размыто, проникает одно в другое, а значит, дышит, живет, пробуждает фантазию. Художник специально окуривал дымом помещение, где работал, чтобы в клубах выискивать образы. Благодаря эффекту сфумато появилась мерцающая улыбка Джоконды, когда в зависимости от фокусировки взгляда зрителю кажется, что героиня картины то нежно улыбается, то хищно скалится. Второе чудо Моны Лизы в том, что она «живая». На протяжении веков ее улыбка изменяется, уголки губ «поднимаются» выше.

Одновременно с этим складывается новый взгляд на положение и призвание художника. Обоснование этих принципов связано с именем Леона Батиста Альберти (1404-1472). Это был человек исключительно одаренный, разносторонне образованный. Большую известность получили трактаты Альберти об искусстве, скульптуре и живописи. Эстетические концепции Альберти были основаны на законах геометрии и физики. Его интересовало не здание как таковое, а как оно впишется в облик города. Все теоретические и практические изыскания Альберти были основаны на гармонии форм, причем, формы были связаны с человеческой фигурой, как самым идеальным творением. Альберти принадлежит самое удачное определение красоты, как ее понимали все творцы Возрождения: «Гармония всех частей, образующих единство».

3-1. Искусство Раннего Возрождения

Истинным родоначальником нового искусства, создателем новой живописной системы является Джотто ди Бондоне (1266-1337). Флорентиец по рождению, он работал во многих городах Италии. Самая знаменитая из дошедших до нас его работ – росписи в капелле дель Арена в Падуе, посвященные евангельским сказаниям о жизни Христа. Джотто стремится передать анатомию человеческого тела, он придает фигурам почти скульптурную ощутимость, тяжесть и плотность. Вместо условного золотого фона византийских мозаик Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры приобретают объем и естественность движения. Персонажи художника психологически и эмоционально выразительны, величавы и монументальны.
Но только спустя столетие художники Кватроченто осуществили задачи, поставленные Джотто. Этап Раннего Возрождения называют триумфальным периодом в истории искусства, он начинается именами великих мастеров, «отцов Возрождения» – Мазаччо, Брунеллески, Донателло.
  Основоположником живописи Кватроченто является флорентийский художник Томмазо ди Джованни Кассаи, вошедший в историю искусства под прозвищем Мазаччо (1401-1428). Он первым в живописи изобразил обнаженное тело и придал человеку героические черты, возвысив его мощь и красоту.

На знаменитых фресках Мазаччо в капелле Бранкаччи (церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции) изображены фигуры изгнанных из рая Адама и Евы. На этих фресках спустя многие годы будут учиться величайшие мастера Высокого Возрождения: Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль.

Мазаччо умер при загадочных обстоятельствах совсем молодым. Но произведения, которые успел создать художник, вошли в мировую сокровищницу искусства. Его росписи стали прообразом новой, «трехмерной» живописи, где каждая деталь, передача движения и мимики точно соотносятся с окружающей пространственной средой.

Процесс становления ренессансной живописи был противоречив, сочетал в себе старые и новые принципы, что порождало много переходных форм: исполненные лиризма, светлые и нарядные образы фресок фра Анджелико (в монастыре Сан - Марко), декоративные и сказочные батальные сцены Паоло Учелло, насыщенные множеством жизненных деталей работы Беноццо Гоццоли (палаццо Медичи - Риккарди).

Важное место в новой системе взглядов на мир принадлежит архитектуре. Гуманисты считали, что архитектура отражает образ новой социальной действительности. Это особая среда обитания человека, она должна не подавлять его, а возвышать, укреплять веру в себя. Отсюда и облик Флоренции начала XIV века воспринимался гуманистами как воплощение героической доблести республики. Богатая городская коммуна заказывала самым лучшим зодчим и художникам проекты соборной церкви, ратуши, главной городской площади. Причем, власти обращали особое внимание на эстетическую сторону дела. Наглядный тому пример – сооружение собора Санта - Мария дель Фьоре во Флоренции. Величественная церковь была практически завершена к середине XIV в., но долгое время оставалась без купола – никто из архитекторов не мог предложить проект, который бы завершил ансамбль собора и гармонично вписался в облик города. Сооружение купола диаметром 42 метра было делом исключительно трудным, многим казавшимся неосуществимым. В средневековой Европе не умели возводить большие купола, и итальянцы взирали на древнеримский Пантеон с восхищением и завистью. Власти Флоренции объявили конкурс на проект купола для собора. Победу в конкурсе одержал Филиппо Брунеллески (1377-1446).
Брунеллески предложил соорудить легкий пустотелый купол из двух оболочек – в этом принципиальная новизна его решения. Джорджо Вазари дал восторженную оценку работе архитектора: «Кажется, что флорентийский купол соперничает с самим небом, ибо он так высок, что горы, окружающие Флоренцию, кажутся равными ему. И можно подумать, что само небо завидует ему, ибо постоянно поражает его молниями».
Из других произведений Брунеллески следует отметить, прежде всего, Воспитательный дом во Флоренции. Его считают первым светским зданием стиля Ренессанс, оно послужило образцом для всей архитектуры Возрождения.
Филиппо Брунеллески вошел в мировую историю искусства как преобразователь всей европейской архитектуры, как художник яркой индивидуальности и один из основателей научной теории перспективы.
Родоначальником скульптуры Возрождения является Донателло - Донато ди Никколо ди Бетто ди Барди – таково его полное имя (1386-1466). Как Брунеллески в архитектуре, и Мазаччо в живописи, Донателло совершил тот же революционный переворот в области скульптуры. Поразительна новаторская универсальность этого гения. Он первый по примеру древних мастеров создал тип самостоятельной, не связанной с архитектурой круглой статуи, положил начало новому скульптурному портрету – бюсту, напоминающему римские портреты. Он создал новый тип надгробия и разработал новые виды рельефа, покрывающего фризы зданий. Его статуя юного Давида – первая обнаженная фигура в тогдашней скульптуре, а его статуя полководца Гаттамелаты на соборной площади в Падуе – первый конный монумент Ренессанса и родоначальник всех конных статуй, воздвигнутых в европейских городах в последующие века.
В творчестве Донателло сочетаются обращение к античным законам пластики и глубокая религиозность, готическая традиция и реалистические идеалы Возрождения. Его работы служили образцом для многих поколений скульпторов.
  Основоположники Возрождения выработали принципы нового искусства, основанного на единстве и гармонии между двумя началами – реализмом и художественным вдохновением. Особой изысканности флорентийское искусство достигло в конце XV века, в правление Лоренцо Медичи (прозванного Великолепным). Жестокий политик, настоящий тиран, и в то же время поэт, философ, гуманист, меценат. Двор этого некоронованного государя был центром художественной культуры Флоренции, объединившим знаменитых писателей, ученых, художников, философов.
Одним из выдающихся художников того времени, был Сандро Боттичелли (1445-1510). Самые известные его картины – «Рождение Венеры» и «Весна». В них мы видим характерную манеру письма Боттичелли: декоративность, нарядность, фантастический пейзаж, романтический характер образов. Художник создает своеобразный тип женского лица, который не спутаешь с работами других живописцев: удлиненный овал, пухлые губы, широко открытые, мечтающие глаза. Вся поэзия его картин овеяна печалью и каким-то трагическим предчувствием.

Ранний Ренессанс длился около ста лет. Его завершает период Высокого Ренессанса.

3-2. Высокий Ренессанс: время титанов

    Трудно найти в истории другой пример столь контрастного сочетания высочайшего художественного подъема страны и, в то же время, ее резкого экономического и политического ослабления, как в Италии конца XV – первой четверти XVI века. В результате турецких завоеваний Италия потеряла рынки сбыта на Востоке. Открытие Америки и морского пути в Индию переместило основные пути мировой торговли, оставив Италию в стороне от них. Закрытие рынков, а также нарастающая конкуренция со стороны северных стран нанесли тяжелый удар по экономике Италии. К экономическому кризису добавился политический. Италия была раздроблена на множество самостоятельных государств, постоянно враждующих между собой.
         В обстановке постоянных дипломатических интриг и войн между различными княжествами и герцогствами Италия становится легкой добычей для европейских государств. Первыми в Италию вторглись войска французского короля Карла VIII, затем германского императора Карла V Габсбурга, создавшего огромную империю, в которой «никогда не заходило солнце». Войны за итальянские владения шли с перерывами более полувека и завершились лишь в 1559 году.

Общеизвестно, что периоды расцвета искусства могут не совпадать с социально-экономическим развитием общества. В трудные для Италии времена наступает недолгий золотой век итальянского Возрождения – Высокий Ренессанс. Угроза порабощения страны имела своим результатом бурный рост национального самосознания. Люди, прежде считавшиеся подданными Флоренции или Милана, после нашествия французских и испанских армий ощутили себя гражданами всей Италии. Расцвет итальянского искусства происходил на фоне огромного общественного подъема, вызванного борьбой за независимость страны. В искусстве на первый план выходят проблемы гражданского долга и подвига. К строгости и рационализму Раннего Возрождения добавились эмоции, страсти и желания; человек обрел душу.

Важная особенность искусства Высокого Ренессанса – обобщенность художественного языка (оно отрешается от частностей, подробностей во имя главного). Основное место занимает собирательный образ идеально - прекрасного человека, совершенного физически и духовно. В сочетании с крупным масштабом произведений эти качества придают образам Высокого Возрождения поистине титанический характер. Искусство того времени было пронизано гуманизмом, верой в безграничные возможности человека, в разумное устройство мира, в торжество прогресса.
  В Высоком Возрождении особенно отчетливо проявился ренессансный антропоцентризм – человек занял доминирующее положение, нередко исчерпывая собой содержание и идею произведения. При этом в центре внимания художников – образ отдельной человеческой личности. Поэтому в преобладающей части живописных произведений число действующих лиц невелико, и они воспринимаются не как коллектив, а как совокупность отдельных индивидов.

Наиболее крупные представители искусства Высокого Возрождения - те, кого называют титанами Возрождения – Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль, три художника, с наибольшей полнотой отразившие в своем творчестве идеи Ренессанса.

В древнегреческой мифологии титаны – это сильные духом и телом дети неба – Урана и Земли – Геи. Они вступили в смелую борьбу с главным божеством – Зевсом за обладание небом. За эту дерзкую попытку они были сброшены в тартар, в ад. Титаны Возрождения, сильные духом дети Земли, также вступили в борьбу за обладание небом, за свободного и всемогущего Человека. И средневековый Зевс отступил. Победили титаны, передавшие новым поколениям силу своего несгибаемого духа, героизм своей борьбы, свои вечно живые творения.

Самым удивительным ученым зрелого Возрождения был Леонардо да Винчи (1452-1519), опередивший свое время на столетия. Около семи тысяч сохранившихся страниц с записями и рисунками Леонардо показывают, насколько разнообразен был круг его интересов. Это физика, математика, астрономия, история, философия, механика, медицина. На его рисунках мы видим прядильные механизмы, токарные станки, экскаватор, гидравлические машины, приспособления для водолазов, парашют, танки, вертолет и многое другое.

Его проекты, эксперименты и исследования в области анатомии, оптики и гидравлики предвосхитили многие достижения современной науки. Любимое выражение да Винчи: «Железо ржавеет от бездействия; стоячая вода теряет чистоту и в холода превращается в лед; а праздность иссушает разум». Также многогранно проявился его талант в области искусства: он был и скульптором, и живописцем, и архитектором, и музыкантом, но самым совершенным искусством считал только живопись. К сожалению, осталось мало законченных произведений Леонардо – несколько гениальных картин, знаменитая сильно разрушившаяся фреска «Тайная вечеря» в Милане, множество рисунков и набросков. Стремясь добиться предельного совершенства, он долгие годы работал над одним произведением, и каждая его работа была открытием в искусстве.

Три года Леонардо расписывал стены трапезной монастыря Санта - Мария делле Грацие на сюжет «Тайной вечери». Гениальность этого произведения – в его огромном психологическом воздействии на зрителей. Никто из художников, изображавших тайную вечерю до Леонардо, не ставил такой задачи – через реакцию разных людей раскрыть своеобразие человеческой натуры, сложность психологических состояний. 12 апостолов по-разному проявляют себя в момент душевного потрясения. Центр всей композиции, всего водоворота страстей – Христос. Его печаль и спокойствие как бы извечны, закономерны – и в этом глубокий смысл запечатленной в картине драмы неотвратимости судьбы, драмы обманутого доверия.
  Одной из самых знаменитых картин в мире стала работа Леонардо да Винчи «Джоконда» – живописная игра почти неуловимых противоречивых движений души. Об этом портрете написаны сотни страниц комментариев, его похищали, подделывали, ему приписывали колдовскую силу. На лице Моны Лизы играет едва обозначенная улыбка, которая приковывает к себе зрителя. Эта улыбка особенно поразительно контрастирует с бесстрастным, словно испытующим взглядом. Что означает этот взгляд и эта улыбка? Мы видим в них и мудрость, и лукавство, и высокомерие, и тайну. Этот портрет является шедевром ренессансной живописи. Впервые в истории мирового искусства портретный жанр встал на один уровень с композициями на религиозную тему.

Не менее гениальными являются работы Леонардо, воспевающие счастливую материнскую любовь, где очевидна богоравность человека, его высокая духовность, слитность людей и природы («Мадонна с цветком», «Мадонна Литта», «Мадонна в скалах»)

«Божественным Санцио» называли итальянцы младшего современника Леонардо Рафаэля Санти (1483-1520). Он действительно является светлым гением Высокого Возрождения. Искусство Рафаэля на протяжении пяти веков воспринимается как высший ориентир в духовной жизни человечества, как один из образцов эстетического совершенства.
  Рафаэль прожил всего 37 лет, успев так много сделать в истории искусства, что трудно представить, что все это мог создать один человек. Рафаэлю, как никому другому, удалось воплотить идеал Высокого Возрождения – совершенного человека. Он нашел его в образе Мадонны, передав в идее материнства все тончайшие оттенки чувств. В ранних «Мадоннах» Рафаэля лицо Марии выражает безмятежную и светлую материнскую любовь. Однако в «Сикстинской мадонне» этот образ трагичен. Взгляд мадонны, направленный как бы сквозь зрителя, полон скорбного предвидения трагической судьбы сына. В этом образе воплощен синтез античного идеала красоты с духовностью христианского идеала. Можно без преувеличения сказать, что «Сикстинская мадонна» – самый возвышенный и поэтический образ мадонны в искусстве Возрождения.
  Самые выдающиеся из монументальных работ Рафаэля – многофигурные величественные фрески «Диспут», «Афинская школа», «Парнас», сделанные по поручению папы Юлия II и украшающие стены трех комнат ватиканского дворца в Риме. В картинах и фресках Рафаэля связаны в одно целое два мира – мир христианский и мир языческий и в этом – историческая заслуга Рафаэля.

Отличавшийся поразительной работоспособностью, Рафаэль не ограничивался сферой живописи. В годы пребывания в Риме он активно занимался архитектурой, изучал памятники античности, впервые обратив внимание пап на их сохранность.

17 апреля 1520 г. Рафаэль умер. Последняя картина, над которой художник работал перед смертью – алтарный образ Преображение – находится сейчас в Пинакотеке Ватикана.

Поистине титаническим по мощи, силе страстей, драматизму было творчество Микеланджело Буонарроти (1475-1564), человека неуёмной энергии, беспокойного, пламенного патриота и страстного борца против тирании. Его гений проявился в архитектуре, живописи, поэзии, но ярче всего в скульптуре.

Первым произведением, прославившим имя мастера по всей Италии, стала скульптурная группа «Пьета» («Оплакивание Христа» в соборе Св. Петра в Риме).

Самая знаменитая работа Микеланджело находится во Флоренции. Это пятиметровая статуя Давида. Образ Давида вдохновлял многих художников Возрождения. Но не мальчиком, как у Донателло и Вероккио, изображает его Микеланджело, а юношей в полном расцвете сил, и не после сражения, а перед битвой, в момент наивысшего напряжения. В «Давиде» выражена не только готовность к жестокой и опасной борьбе, но и непоколебимая уверенность в победе. В облике Давида скульптор соединил в неразрывное целое идеальную красоту и сильный человеческий характер, в котором главное – отвага, гражданское мужество и жажда свободы. Флорентийцы увидели в Давиде близкого им героя, гражданина республики и ее защитника. Эта скульптура вызвала огромный общественный резонанс – установка и открытие «Давида» превратились в народный праздник.
Всем своим искусством Микеланджело показывает, что самое красивое в природе – это человеческая фигура, и другой красоты вообще не существует. Свои пластические образы он создавал, отсекая из мраморной глыбы все ненужное, освобождая будущий образ от сковывающей его каменной оболочки.
Гениальность Микеланджело - скульптора проявилась также в созданных им надгробиях: «День» и «Ночь», «Утро» и «Вечер» (гробница Медичи в церкви Сан Лоренцо во Флоренции) и «Моисей» (гробница папы Юлия II).
Искусство Микеланджело прославляет человека – его борьбу, героизм и страдания.
  Самым грандиозным из его трудов стала роспись свода Сикстинской капеллы в Ватикане. Ни одному итальянскому живописцу не приходилось до этого выполнять такую гигантскую работу: около 600 кв. метров, да еще не на стене, а на потолке. В течение четырех лет, лежа на лесах на высоте 18 метров, он писал все сам, боясь что-либо доверить ученикам. После окончания работы здоровье его было совершенно подорвано, а тело обезображено (впала грудь, выгнулся корпус, вырос зоб).
Основной темой росписи капеллы стали сюжеты из Ветхого Завета, рассказывающие о сотворении мира и развитии человечества. Все написанные Микеланджело фигуры объемно пластичны, все они свободно движутся, как бы прорывая плоскость стены. Эта иллюзия пространства и движения стала огромным достижением европейского искусства.
 В отличие от Рафаэля, который показал мир в его красоте и равновесии, Микеланджело создал свой, титанический мир и «образ человека, который может подчинить себе землю и, может быть, больше, чем землю».
 Через 20 лет Микеланджело вновь расписывает Сикстинскую капеллу. На алтарной стене он создает еще одно грандиозное и трагическое произведение – фреску «Страшный суд». Историческая обстановка, в которой работал Микеланджело, была очень трудной. При нем произошло падение Флоренции, Рима, порабощение Италии, начался гнет реакции. В творчестве Микеланджело отражены глубокие противоречия эпохи, тревога и предчувствие катастроф.

Особое место в итальянском искусстве XVI в. занимала Венецианская школа. Здесь у истоков Высокого Возрождения стоял Джорджоне (ок.1478 – 1510). В своем творчестве он стремился к гармоническому единству, одухотворенности и психологической выразительности образов, основным мотивом его картин являлось единство человека и природы.

В 1510 году, еще совсем молодым, Джорджоне скончался от чумы, и место первого живописца Венецианской Республики по праву занял Тициан Вечеллио (ок.1490 - 1576). Вся жизнь Тициана была направлена на достижение успеха, что отразилось в жизнеутверждающем характере его искусства и богатстве творческой фантазии. Его высоко ценили знатоки и коллекционеры, он был обласкан правителями Мантуи и Феррары, а император Карл V назначил его своим придворным живописцем.

Огромное значение художник придавал цвету, цветовым отношениям. Он стремился цветом выразить главные черты характера человека. Большое место в творчестве Тициана занимают портреты. В них художник стремился создать образ, соответствующий гуманистическим идеалам, раскрыть духовный облик человека («Карл V», «Ипполито Медичи», портрет Павла III с племянником, «Виоланта»). Самые драматические произведения художник создал, когда ему было более восьмидесяти лет. Он пишет полотна на религиозные сюжеты, обращаясь к темам страдания и мученической смерти, раскрывая их трагизм. В это время им написаны картины «Бичевание Христа», «Святой Себастьян», «Наказание Марсия».

Никто в живописи до и после Тициана не воспевал с таким вдохновением сияющую, пленительную красоту женщины, как бы олицетворяющую радость бытия, земное счастье. Наиболее известные работы Тициана: «Венера Урбинская», «Даная», «Любовь земная и любовь небесная», «Венера перед зеркалом», «Кающаяся Мария Магдалина».

 Раздел 4. Реализм и мистика Северного Возрождения.

  Идеи итальянского Возрождения были восприняты мыслителями и художниками Франции, Германии, Англии, Нидерландов. Европейское Возрождение за пределами Италии, поскольку оно развивалось в странах к северу от нее, принято называть Северным Возрождением.
 Несмотря на то, что Возрождение имело свои особенности в каждой стране, оно было общим культурным явлением Европы. В основе этой культурной общности лежал романо-германский (латино-варварский) синтез. Античность была (пусть не в равной мере) достоянием европейских народов. Общность универсального языка культуры – латинского, отсутствие серьезных географических преград, массовые межэтнические контакты, династические связи – все это способствовало распространению новой культуры по всей Европе.
  Можно сказать, что идея «единого европейского дома» впервые возникла еще в эпоху Возрождения как идея единого человеческого пространства, объединенного мощью духа, силой воли и верой в высокое предназначение человека. Важной особенностью Северного Возрождения было то, что оно происходило в период религиозной Реформации, а также то, что в этих странах было не так много памятников античности, как в Италии.
  Северный Ренессанс охватывает период рубежа XV – XVI веков до второй половины XVII века. В искусстве Северного Ренессанса сильнее отразилось средневековое мировоззрение, в нем больше религиозного чувства, символики, оно более условно по форме, более архаично.
 В отличие от итальянских гуманистов, стремившихся к созданию идеального образа свободного, всесторонне развитого человека, творца собственной судьбы, мастера Северного Возрождения больше внимания уделяли индивидуально-неповторимому в человеке. Различными были и основы гуманистической культуры: у итальянцев – античное наследие и присущие ему красота, гармония, соразмерность. У представителей Северного Возрождения – движение за церковную реформу, возрождение «истинного» христианства, основанного на любви к ближнему.

  Своеобразие искусства Северного Возрождения в том, что оно сильнее, чем в Италии было связано с традициями поздней готики. В повседневной жизни поведение людей определяли коллективизм, церковная, государственная, корпоративная, дисциплина. Люди боялись всего нового, необычного, выходящего за рамки общепринятого. Искусство северных стран поэтизирует обычного среднего человека и его мир – мир будничной жизни и простых вещей; ему несвойственен пафос итальянской живописи, прославляющий могущество человека-титана.

Новые черты ренессансного искусства проявились, прежде всего, в Нидерландах – одной из самых богатых и промышленно развитых стран Европы. Под воздействием немецкой Реформации в Нидерландах, которые в те времена занимали территорию нынешних Голландии, Люксембурга и Бельгии, возникло мощное протестантское движение, которое завершилось в конце XVI века буржуазной революцией в форме освободительной войны против Испании.

Рядом с уходящей феодальной культурой в Нидерландах складывалась новая городская культура. В бюргерских кругах складывался свой идеал человека – добропорядочного, благочестивого и деловитого. «Новое искусство», глубоко религиозное, интересовалось индивидуальными переживаниями, характером человека, ценя в нем, прежде всего, смирение, благочестие. Его эстетике чужд итальянский пафос совершенного человека, страсть к классическим формам (лица персонажей не идеально пропорциональны, а готически угловаты). С особенной любовью, детально изображалась природа, быт, тщательно выписанные вещи имели, как правило, религиозно-символический смысл.

Интерес к человеку и к миру, который его окружает, присущ нидерландским художникам Яну Ван Эйку, Иерониму Босху, Питеру Брейгелю Старшему.

Ян Ван Эйк (1390-1441) известен как создатель монументального Гентского алтаря, прославляющего красоту земной жизни. В отличие от средневековых алтарных композиций, в нем нет ничего устрашающего, он весь пронизан солнцем, радостью и восторгом перед жизнью.
  Самым загадочным художником XV века является Иероним Босх (1450-1516). Это очень самобытный художник с огромной фантазией и трагическим мироощущением. В картине «Корабль дураков» он изобразил людей, погрязших в пучине греха и глупости. Вместо парусов у корабля – деревья, вместо весел – огромная ложка, а темная вода напоминает расплавленную смолу. В одной из своих самых грандиозных работ – «Сады земных наслаждений» – Босх изображает греховную жизнь людей. Цель композиции художника – моральное назидание. Босх не находит в природе ни гармонии, ни совершенства, его демонические образы напоминают о живучести и вездесущности мирового зла, о круговороте жизни и смерти.
  Вершиной нидерландского Ренессанса является творчество Питера Брейгеля Старшего (1525-1569), прозванного Мужицким за любовь к народной тематике. Его искусство выросло на почве нидерландских традиций, оно связано с фольклором. Одна из его картин так и называется – «Фламандские пословицы» – в них рассказывается о человеческих пороках, тщеславии и глупости. Картины Брейгеля вовсе не создавались для крестьян, его искусство рассчитано на образованных знатоков. Он никогда не писал картин для общественных зданий или церквей, его работы висели в домах коллекционеров. Для народа предназначалась только гравюра.
 С именем Брейгеля связано развитие пейзажного жанра. В своих пейзажах – панорамах: «Охотники на снегу», «Детские игры», «Падение Икара» – художник стремился не только показать бесконечность и грандиозность мира, но и дать его лаконичное философское осмысление.
  В картине «Вифлеемское избиение младенцев» автор, используя религиозный сюжет, изобразил тяжелое положение своей родины, в которой хозяйничали испанцы, считавшие, что «топор палача и костер инквизиции – самые надежные средства управления недосожженными еретиками». Безысходностью и трагизмом проникнуто одно из последних произведений Брейгеля «Слепые», в котором художник выразил и собственное мироощущение, и дух своего времени.

В искусстве Брейгеля сконцентрировались все достижения нидерландской живописи эпохи Ренессанса.

Гораздо позднее, чем в Нидерландах, Ренессанс сформировался в Германии. В XVI столетии там начинается мощное революционное движение крестьянства, рыцарства и бюргерства против княжеской власти и римской католической церкви. Это был период расцвета немецкого гуманизма, светской науки и культуры. С этим временем совпадает творчество самого крупного художника немецкого Возрождения Альбрехта Дюрера (1471-1528). По разносторонности (он был и живописцем, и гравером, и математиком, и инженером), по масштабу дарования, по широте восприятия действительности Дюрер был типичным представителем эпохи Ренессанса. Однако величие Дюрера в его национальной самобытности. Образы Дюрера полны силы, сомнений, тяжких раздумий, в них отсутствует ясная гармония Рафаэля или Леонардо. Художественный язык усложнен и аллегоричен.
 Дюрер – один из самых крупных мастеров гравюры в Европе. Серия гравюр «Апокалипсис» появилась на рубеже столетий и на переломе эпох. В средние века ощущение надвигавшихся больших событий и перемен всегда связывалось в умах с библейскими пророчествами. Дюрер на 15 больших гравюрах иллюстрировал эти пророчества, усилив в них пафос гибели и показав космический ужас, которым они проникнуты. Самую большую известность приобрел лист «Четыре всадника», символизирующий страшные бедствия, постигшие людей – войну и мор, неправедный суд и голод; сама смерть с вилами едет на «бледном коне».

Через несколько лет появились знаменитые гравюры на меди: «Всадник, дьявол и смерть», «Святой Иероним», «Меланхолия». Это лучшие его произведения, насыщенные философскими раздумьями. Гравюрам Дюрера посвящено множество исследований, им давалось разное толкование, но одно несомненно – в них отразились мистические настроения эпохи, полной тревоги, неверия в торжество разума и всесилие человека. Гравюры Дюрера – памятник духовной культуры Европы в канун Реформации и междоусобных войн.

Северное Возрождение наследовало идеи итальянских гуманистов, но породило и своеобразную реакцию на эти идеи, воплотившись в движении Реформации, которая охватила большую часть Европы и привела к религиозным и национальным войнам.

Реформация нанесла ущерб изобразительному искусству северных стран Европы, ведь основные заказы шли из церковных кругов, от монашеских орденов и объединений религиозного характера. Монументальное искусство теряло свое значение, на смену ему приходило искусство малых форм: картины небольшого формата, гравюры, мелкая пластика – то, что находило спрос у населения. Стали возникать новые жанры: пейзаж, натюрморт, изображение бытовых сцен.

Выводы.

Эпоху Возрождения многие исследователи называют «культурным переворотом», в результате которого начал формироваться человек с активной жизненной позицией, полагающийся на собственный разум, знания и опыт, способный к безграничному познанию мира и устроению своего земного бытия. В противовес средневековому христианскому аскетизму и принижению человека, Ренессанс утверждал человеческое величие и достоинство, отстаивал право людей на наслаждение и счастье в земной жизни.

Идеи свободомыслия стали своеобразным завершением длительной борьбы гуманизма за расширение источников знания, обновление науки, за самостоятельное развитие философской мысли, не скованной церковно-схоластическими традициями. Человек встал на путь преодоления средневекового дуализма мира и Бога, поставив во главу угла проблемы земного бытия человека – на путь, ведущий к индивидуальной и социальной свободе.

Идеалы эпохи Возрождения легли в основу культуры Нового времени.

Итоговые контрольные вопросы

1. Что означает термин «Возрождение»? Когда он появился?
2. На какие периоды делится эпоха Возрождения?
3. Где зародилась культура Возрождения?
4. Какие особенности имела культура Ренессанса?
5. Как римско-католическая церковь относилась к деятелям эпохи Возрождения?
6. Что такое «гуманизм»?
7. Какие ценности отстаивали представители гуманистического движения?
8. В чем проявилось влияние античной культуры на культуру эпохи Возрождения?
9. На каких принципах основывалось искусство итальянского Возрождения?
10. В чем отличие искусства Ренессанса от средневекового искусства?
11. Почему Флоренция стала важнейшим центром итальянского Возрождения?
12. Почему Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, Микеланджело Буонарроти, Тициана Вечеллио назвали «титанами Возрождения»?
13. Какие факторы определили своеобразие Северного Возрождения?
14. В творчестве каких художников наиболее полноценно отразились реалистические и мистические черты Северного Возрождения?
15. Какое влияние оказала эпоха Возрождения на формирование цивилизации Нового времени?
    
    

Творческие задания.

1. Джоржио Вазари – первый исследователь эпохи Возрождения.
2. Данте Алигьери и Франческо Петрарка – поэтическая прелюдия Ренессанса.
3. Studia humanitatis – новые науки Средневековья.
4. Творчество Эразма Роттердамского и формирование гуманистических ценностей.
5. Гуманистическое движение XIV – XVI вв.
6. Античность как образец творчества в эпоху Возрождения.
7. Джованни Боккаччо – певец земной любви.
8. Мазаччо, Брунеллески, Донателло – «отцы» итальянского Возрождения.
9. Флорентийская республика – родина итальянского Возрождения.
10. Лоренцо Медичи «Великолепный» – покровитель науки и искусства.
11. Никколо Макиавелли и его политико-философская доктрина государственного управления.
12. Леонардо да Винчи и его научные и художественные открытия.
13. Микеланджело Буонарроти и шедевры собора Святого Петра.
14. Рафаэль Санти – светлый гений Высокого Возрождения.
15. Северное Возрождение и идеология Реформации.
16. Нидерланды – родина Северного Возрождения.
17. Загадки творчества Иеронима Босха.
18. Питер Брейгель Старший – вершина нидерландского Возрождения.
19. Альбрехт Дюрер – чудо немецкого Возрождения.
20. Джеффри Чосер и Вильям Шекспир – английский вариант Возрождения.

Библиография.

• Вазари Д. Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих (1550 г.) Любое издание.
• Алпатов М.В. Немеркнущее наследие. - М., 1990.
• Дмитриева Н.А. Краткая история искусств: Вып.2. - М., 1991.
• Запад и Восток: традиции и современность. - М., 1993.
• Ильина Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство. - М., 1993.
• История искусства: Ренессанс. — М.: АСТ, 2003. — 503 с.
• История мировой культуры (мировых цивилизаций). - Ростов н/Д.,-2002.
• Порьяз А. В. Мировая культура: Возрождение. Эпоха великих географических открытий. - М., 2001.
• Рутенбург В.И. Титаны Возрождения. - СПб., 1991.
• Яйленко Е. В. Итальянское Возрождение. — М.: ОЛМА-ПРЕСС, 2005.